26 octobre 2020

Ivo Perelman meets three guitar wizards : Gordon Grdina, Pascal Marzan and Joe Morris with Matt Shipp & Hamin Honari : SHAMANISM - DUST OF LIGHT/EARS DRAWING SOUND - THE PURITY OF DESIRE

Ivo Perelman meets three guitar wizards : Gordon Grdina, Pascal Marzan and Joe Morris.
Shamanism on Mahakala Music : Ivo Perelman, Matthew Shipp & Joe Morris
Dust of Light/Ears Drawing Sound on Setola di Maiale : Pascal Marzan & Ivo Perelman
The Purity of Desire on NotTwo : Gordon Grdina Hamin Honari & Ivo Perelman

Brazilian saxophone player involved with the NYC Avant-jazz scene and iconic players like Matthew Shipp, William Parker, Joe Morris and Mat Maneri, Ivo Perelman is feeling a deep inner love story for the guitar, the instrument. Indeed, since the time of his sixth year he has practiced the classical guitar and the music of his compatriot composers like Heitor Villa-Lobos and studied in the Conservatory named after this legendary composer. His musical evolution took him to become one of the leading tenor sax player and improviser in the U.S. Perelman sax tenor playing is inspired by the saudade from Rio and one hears how marvelously he blows in the high range of his horn above its register using overtones and making them sing and curve with melody-like unique glissandos. Blindtesting, one can recognize Ivo’s playing from the first note. This specific and genuine pitch placement on any note on the saxophone, creating a kind very individual scales/intervals requires a huge daily work beyond imagination. Ornette Coleman is another great example of this. As his listeners have noticed, Ivo Perelman is working intensively with the same bunch of like-minded spirits since years as he wants to deepen fructuous musical relationship through mutual listening. But he likes, above all, renewed musical challenges. As Perelman maintains wonderful duos with Matthew Shipp, one of the most in-demand contemporary Afro-American pianist and with the very gifted and imaginative guitarist Joe Morris, they decided to create an intense soundworld contrasting and challenging the chordal and harmonic flurries and constructions of supreme piano and guitar playing simultaneously. In the piece Shamanism, the three are building pointillistic twists and turns and moving multi-angular shapes and sonic sculptures intertwining their capacities of instant composing in real time. There is some relationship to ping-pong or dancing in their improvisations specially in the interactions between the six strings and the 88 keys. Undulating on the waves of this pair, the saxophonist never looses his lyric vision and his surreal and natural sense of melodic invention. While listening to their chasing - free-wheeling flights along winding roads (Shamanism), you can always catch their precise knowledge of refined and complex harmonic structures. But as Spirit World testifies, the three are reaching the realms of balladry with a real poise and wit. Shipp’s touch reveals as a real asset and what does Joe Morris’ ricocheting with such piano playing is nothing else than acrobatic but deeply musical. On each nano second of its recording, Shamanism is coincidental music.

Coincidence came out at the meeting of French guitarist Pascal Marzan with Ivo Perelman. Like Ivo, but later in his life, Pascal Marzan dedicated his time to the learning and the mastering the classical acoustic guitar, studying and performing the same Brazilian composer that the young Ivo teethed as a youngster : Heitor Villa-Lobos and his Préludes, Études and Guitar Concerto … But after having performed classical music and also improvised music with legendary British improvisers like guitarist John Russell, violinist Phil Wachsmann and clarinettist Alex Ward, Pascal decided very recently to refound completely his practice of his axe in tuning it very differently. He bought a new ten strings classical guitar build at the requirements of the legendary virtuoso Narciso Yepes, one of the greatest guitarist of the Twentieth Century. With a lucid and premonitory intuition, he tuned each string with an interval of a third of a tone from the next string in order to develop a kind of microtonality. Coincidentally, one of the closest musical mate of Ivo, alto virtuoso improviser Mat Maneri is completely involved in this microtonal universe since he learned it from his father, the now deceased composer and reed maestro, Joe Maneri. They even both recorded for the ECM label. When Pascal and Ivo met at one London gig, they both clicked like twins. I would add that Pascal’s tuning is allowing to play in sixth of tone, because as you know guitar frets are slicing one tone in two half-tones… and in two different scales of thirds of tones and also in equal temperament as the “normal” notes are still available. Mindboggling. Ivo Perelman strives to challenge his own diving in microtones playing above or below the “pure” notes adjusting meticulously his reed and mouthpiece air pressure and sticking to no Forte, but a softer breath with more nuances. As the intervals of the notes of this 6th tone guitar are so tiny, you wonder at listening to Dust of light/ Ears Drawing Sound. Is it a hybrid string instrument, an harp or an harpsichord? For my opinion of dedicated writer about improvised music, this is the most brilliant and deepest guitar concept in contemporary improvisation since the legendary Derek Bailey. Strangely, this string arrangement produces a spooky reverberation revealing the frail nature of the Spanish guitar body made of glued tiny pieces of wood. The session went unnoticed and the result went beyond any expectation. Confronted to all kinds of plucking and touching the strings with Pascal Marzan incredible right hand, fingers and nails and his multivoiced wild arpeggios, Perelman exceeds his current inspiration concentrating his breath and fingering to extend forcefully his high soaring notes and his singing alto range while you hear clear ruminations of past jazz heroes like Ben Webster and Don Byas or nods to Albert Ayler. The variety of musical forms created in the spur of the moment is absolutely amazing and strangely lyrical and earthy, both players making a tour de force of this unexpected musique de chambre. https://ivoperelmanmusic.bandcamp.com/album/dust-of-light-ears-drawing-sounds

Now the third piece of this unusual guitar-focused Perelman tryptich is centered around the oriental lute or oud of Gordon Grdina, also a jazz guitar player. His oud is of the same family of instruments of the Iraqi and Turkish classical music, the oud played by the geniuses - composers Munir Bashir and Cinuçen Tanrikorur. And to keep the music pulsating closer to its origin, both artists conveyed Hamin Honari, a specialist of the daf and tombak, the classic hand percussion instruments of Persian and Kurdish music. All three musicians of this Purity of Desire are avoiding “fusion” but create the interpenetration of their own musical experiences into new realms. In Purity of Desire – their first piece, Honari’s rhythms on the daf are pure Tabriz half-root Kurdish half-Persian radif with some fierce gyrations of crossing meters and rubbed and scratched effects on the skin. The saxist his biting his reed and overblows his fire articulation while the oudist plucks like a mad cellist would match wild Mingus fingerings. This is the embarkment ! Caution ! Each piece is nailed to propose the listener new rhythmic patterns and refreshed revamped melodic turns inclined to different kinds of trilogue. Everyone is an equal member of the group. It goes far beyond the so-called Folklore Imaginaire, once a moniker for improvised jazz blended with native music practice. This is real life for a Brasilian overblowing saxophone poet, an unconventional oud player with bravado and a pure Middle Eastern rythmician con fuego. Gordon is playing his oud in a quite original way improvising on the finger board like a dervish possessed, keeping the pulse and the extemporizations altogether, Hamin unleashes fingers strokes on the skin which bounce like a water stream on mountain pebbles. Gordon Grdina’s playing oscillates between his idiosyncratic soulful duende and some Middle Eastern reminiscences like a Scott La Faro on acid. As long we plunge the next pieces the music becomes purer, stronger and the improvisations more straight ahead, specialy when Hamin Honari handles the pear shaped tombak (The Joy That Wounds). Ivo Perelman is pushed inside his reserve extracting the weirder harmonics in synergy and syncoped shakes with his two compadres. His haunting high sounds match the purposeful odd intervals and his lyrical extreme bending overtones. There are some interesting common grounds inside the playing of both oudist and saxophonist in the way they calibrate their sounds, curving the notes : the ghosts of mutual listening almost perceptible. A serious, joyful and dramatic journey in between “world” musics creating a marvelously unknown but palpable musical adventure.

With such three uncommon recordings, Ivo Perelman demonstrates his determination to explore new musical ways and sounds’ occurrences extending the real time instant composing / free improvising practices through the meeting of new very gifted individuals (Marzan, Grdina, Honari, Mahall) and deepening his longstanding collaborations into his NY brotherhood (Shipp, Morris, Parker, Dickey, Cleaver). About Dust of Light again.What does Pascal is beyond "normal" imagination. And this also the case of Ivo with his crafted curved notes !! Pascal 's guitar is tuned this "strange way" as I can exemplifiy here : one string open is by example tuned one third- flatted D , the second fret is thus a one third- flatted E and the middle point / first fret has a one third sharp D + one sixth . The next higher string open is a natural D. So there are two series of thirds following the position of the left hand fingers on either the odd frets or the even frets (french pair/impair) . Piling up sixth of tones : plucking different strings stopped on even or odd frets one fret of each other . That seems quite complex saying it but this requires a quick mind to manage such tuning and creating architectures of patterns, waves , lines etc... juggling in between the idiosyncracies of such resonances and their connecting points / notes ... It is actually mind boggling. Not only does Ivo Perelman have a superlative instrumental talent and is a very original musician, but in addition he knows, through instinct, his deep sensitivity, and his instant imagination, how to play the things that go best with many different situations and the most varied instrumental and personal configurations, which as far as I know are written in purely acoustical music. In the beginning he was involved with his own selected colleagues such as Matt Shipp, William Parker, Michael Bisio, the late Dominique Duval, Joe Morris, Mat Maneri, Gerald Cleaver, Whit Dickey, etc. But now, he himself discovers his abilities to express the unspeakable in blending in as close as possible with the universe of a Pascal Marzan or a Rudi Mahall, while remaining faithful to his own language with a marvelous suppleness and very fine empathy. The points of convergence are drawn by an innate sense of suggestion and micro-details which one captures in the wind in the unfolding of improvisation. These qualities are not shared often by all improvisers, even among the most esteemed or legendary ones. Some are even geniuses, but certain confrontations don't change their sound print by one iota. This particular quality,for example, is the essence itself of the art of Derek Bailey during his ascendant period, or the great Fred Van Hove who could stay himself in his own universe while creating dialog with such different players like Albert Mangelsdorff, Paul Rutherford, George Lewis, Anthony Braxton or Lol Coxhill. Like both these champions of free improvisation, Ivo's playing unleashes secret hooks to tie these unexpected little correspondances and ephemeral echoes with the other's players sounds and signals in a way that (deep) mutual listening is genuinely palpable. This is what, I think, makes his work important, as a worthy proper expressive musical heir (fire eater) of an Albert Ayler with a stunning capacity for melodic invention, Ivo Perelman became a true free-improviser (and never behaving like a "soloist - jammer") entirely involved in constant close mutual listening and creative imagination, while remaining a real jazz player.

24 octobre 2020

Elisabeth Coudoux Emiszatett/Tristan Honsinger Nicolas Caloia Joshua Zubot/ Valentin Ceccaldi/Dietrich Petzold Ernesto & Guilherme Rodrigues Matthias Bauer

Les cordes, les cordes , les cordes. Le violoncelle !

Elisabeth Coudoux Emiszatett – Phisys impakt records impakt 014

Pas moins de 9 improvisations de densités et dynamiques différentes pour cinq instrumentistes dédiés à la libre improvisation. La violoncelliste Elisabeth Coudoux s’est adjointe l’aide d’un moteur et la présence active de quatre autres improvisateurs. J’avais déjà chaviré pour son excellent album solo, Some Poems, Cello Solo et Octopus un singulier quartette de violoncelles (Leo Records). Donc, je me devais de découvrir plus. Le tromboniste Matthias Muche, le contrebassiste Robert Landfermann, le pianiste Philipp Zoubek (préparé et synthé), le percussionniste Etienne Nillesen (extended snare drum) l’entourent dans Emiszatett, un ensemble cohérent qui juxtapose ou conjugue un appétit sonore « abstrait » ou « bruissant », un sens de la forme et parfois des ostinati enlevés. Les cinq improvisateurs font corps l’un à l’autre dans une réelle dimension collective. Il arrive que deux ou trois solos se distinguent au détour d’un silence, comme du sel sur la queue. Trois compositions d’Élisabeth Coudoux : Physis, Vineyard Snall et Drawing, respectivement 6 :15, 4 :08 et 5 :16. Les six autres sont des improvisations collective du groupe. On entend clairement une direction dans l’improvisation issue de la musique contemporaine d’avant-garde et peut-être de la fréquentation de conservatoires où la pratique de l’improvisation est encouragée ou enseignée/pratiquée. Bien qu’il y ait de temps à autre une ou deux incartades ludiques, c’est une musique jouée de manière appliquée, concentrée sur un son de groupe cohérent et évolutif. Le bon point de leur musique est qu’elle peut être écoutée et réécoutée à la file, on ne s’ennuie pas. Il y a toujours une autre perspective et d’autres dimensions qui se dévoilent d’une écoute à l’autre et d’un instant à l’autre. Certains diront que cela manque un peu de folie, mais j’ajouterai qu’ils ont surtout évité de suivre les voies actuellement les plus rabâchées dans quelles « directions » que ce soient, sans les citer. Ça fatigue. On y trouve des sonorités agencées avec d’autres sonorités qui se complètent et se stimulent à ravir. Il y a aussi de l’énergie, de la subtilité, des nuances et un sens assumé de la dynamique. Lors de cet enregistrement, ils ont tout fait pour adhérer à la formule choisie et dans les concerts qui devraient suivre, connaissant bien l’un ou l’autre, je suis certain qu’ils vont se surpasserPas moins de 9 improvisations de densités et dynamiques différentes pour cinq instrumentistes dédiés à la libre improvisation. La violoncelliste Elisabeth Coudoux s’est adjointe l’aide d’un moteur et la présence active de quatre autres improvisateurs. J’avais déjà chaviré pour son excellent album solo, Some Poems, Cello Solo et Octopus un singulier quartette de violoncelles (Leo Records). Donc, je me devais de découvrir plus. Le tromboniste Matthias Muche, le contrebassiste Robert Landfermann, le pianiste Philipp Zoubek (préparé et synthé), le percussionniste Etienne Nillesen (extended snare drum) l’entourent dans Emiszatett, un ensemble cohérent qui juxtapose ou conjugue un appétit sonore « abstrait » ou « bruissant », un sens de la forme et parfois des ostinati enlevés. Les cinq improvisateurs font corps l’un à l’autre dans une réelle dimension collective. Il arrive que deux ou trois solos se distinguent au détour d’un silence, comme du sel sur la queue. Trois compositions d’Élisabeth Coudoux : Physis, Vineyard Snall et Drawing, respectivement 6 :15, 4 :08 et 5 :16. Les six autres sont des improvisations collective du groupe. On entend clairement une direction dans l’improvisation issue de la musique contemporaine d’avant-garde et peut-être de la fréquentation de conservatoires où la pratique de l’improvisation est encouragée ou enseignée/pratiquée. Bien qu’il y ait de temps à autre une ou deux incartades ludiques, c’est une musique jouée de manière appliquée, concentrée sur un son de groupe cohérent et évolutif. Le bon point de leur musique est qu’elle peut être écoutée et réécoutée à la file, on ne s’ennuie pas. Il y a toujours une autre perspective et d’autres dimensions qui se dévoilent d’une écoute à l’autre et d’un instant à l’autre. Certains diront que cela manque un peu de folie, mais j’ajouterai qu’ils ont surtout évité de suivre les voies actuellement les plus rabâchées dans quelles « directions » que ce soient, sans les citer. Ça fatigue. On y trouve des sonorités agencées avec d’autres sonorités qui se complètent et se stimulent à ravir. Il y a aussi de l’énergie, de la subtilité, des nuances et un sens assumé de la dynamique. Lors de cet enregistrement, ils ont tout fait pour adhérer à la formule choisie et dans les concerts qui devraient suivre, connaissant bien l’un ou l’autre, je suis certain qu’ils vont se surpasser.

Continuons avec un autre violoncelliste incontournable : Tristan Honsinger

In The Sea : Tristan Honsinger Joshua Zubot Nicolas Caloia. Forks and Spoons Creative Sources CS 572 CD

Le fabuleux violoncelliste Tristan Honsinger traverse les décennies sans jamais faillir à sa réputation de musicien improvisateur exceptionnel et d’instrumentiste à la sonorité et à la projection de celle-ci uniques. Avec In The Sea, il construit les pages parmi les plus belles de sa longue carrière : un concept vivant et authentique de trio à cordes qui recycle des codes musicaux conventionnels avec audace, excès, énergie et une expressivité loufoque, presque criarde. Un sens de l’hésitation, de la répétition ressassée de bribes de mélodies qui débouche sur des envolées irrésistibles ou des élégies faussement compassées. De l’expressionnisme graphique, visuel, théâtral en musique, concertante certes, enjouée, sérieuse et joyeusement ludique. Le violoniste Joshua Zubot s’inscrit entièrement dans cette équipée et le contrebassiste Nicolas Caloia en construit consciencieusement les fondations invisibles mais palpables. Les cadences de base des morceaux sont appuyées surtout par Tristan et le son énorme de son coup d’archet inimitable. La qualité de l’écriture des thèmes et de leur évolution, les structures décalées, cette gaucherie voulue, ces mimiques ont toutes un air de fête ou une qualité désenchantée, un feeling que nous ne trouverons pas ailleurs. Cecil Taylor a une fois dans sa vie enregistré sans batterie et en trio … avec Tristan Honsinger (et Evan Parker) : The Hearth (FMP 1988). Par la suite, Tristan a joué dans plusieurs des groupes de CT. Je dis ça rien que pour ceux qui l’ignorent (cette relation de TH avec CT), mesurent la stature du personnage. Aussi comme Cecil, il insère sa poésie dans la musique. La sienne a un côté symbolique et terre – à – terre délirant, surtout sa diction digne de Beckett ou Ubu. Fusent de tout côté des prouesses et des élans passionnés ou furieux ou nostalgiques et des pointes de blues. La musique savante dépucelée par la musique populaire. La sagesse et la folie de la pureté/impureté musicale. S’il faut commander leur autre album chez Relative Pitch aux USA, on aura à régler les frais de port (15 USD), autant se fier à ces Fourchettes et Cuillères, il vous en manquera toujours pour pouvoir déguster leur musique dignement. Passez les plats. J’ajoute encore avoir chanté le jour même * sur la scène où leur musique a été enregistrée le 19 novembre 2016 à Heiligenkreuz im Lafnitztal. Quel souvenir ( !) revécu ici pleinement grâce à l’enregistrement de qualité par Iztok Zupan. In The Sea.

Poursuivons avec un autre (violoncelliste) : le français Valentin Ceccaldi

Valentin Ceccaldi Ossos
Cipsela cip 009

Cipsela, le label portugais, nous a déjà gratifié de plusieurs albums solos (Carlos Zingaro, Marcelo Dos Reis, Joe McPhee et Luis Vicente). Sous le signe de la forge avec trois morceaux, Enclume, Marteau, Étrier qui évoque aussi le logo initial d’Incus, le label, les trois osselets (Ossos) de l’oreille interne qui vibrent en empathie sous le tympan, l’archet du violoncelliste français Vincent Ceccaldi nous donne à rêver et à penser sur les vibrations intérieures de l’âme secrète de la basse à cordes. Une contrebasse est une contrebasse et un violoncelle est une basse moins grave et plus propice en enrichir le spectre sonore. Ce sont ces valeurs expressives de base que nous livre Vincent Ceccaldi avec cette richesse de timbres tant naturelle que préparée. Ce n’est pas à proprement parler une histoire ou un programme mais des strates quasi géologiques. Matières, densités, voix ténue, agrégats, condensations, drones réitérées, chute abrupte où la coupe de terrain affleure : enclume. Un travail systématique, intense sur les aigus saturés, grinçants et des harmoniques pointues alternant avec cet archet qu’on torture en faisant crier les cordes ou gratter leur fil. S’ensuit, un pizzicato tout simple répété et décalé dans un effet de pendule improbable et délicieux plus autres variantes… : Marteau. On fait dire le plus avec un presque rien. Techniques alternatives dont il met en scène leurs singularités comme dans un rituel. Il y a un côté légèrement hiératique ou symbolique. Mais il faut dire que la qualité d’exécution est impeccable, les intentions sont assumées avec brio. Un concert de cette musique doit sûrement être un excellent moment pour autant où l’auditeur veut pénétrer dans le monde intérieur de l’artiste et l’accompagner où seul, lui, peut se rendre. Convaincant.

Cet album de Valentin Ceccaldi offre une vision différente que l’œuvre en solo du violoncelliste portugais Guilherme Rodrigues, Cascata, parution récente (et chroniquée ici) du label Creative Sources, fontaine inextinguible d’enregistrements innovants et autres que dirige son père l’altiste Ernesto Rodrigues. Voici un beau témoignage en quatuor à cordes.

dis con sent Dietrich Petzold Ernesto Rodrigues Guilherme Rodrigues Matthias Bauer Creative Sources CS 563 CD

En commandant l’album d’In The Sea, le fidèle Ernesto Rodrigues a mis cet album dans le paquet parce qu’en qualité de cordiste – violoniste engagé, il se doutait bien que ce dis con sent trouverait grâce à mes oreilles. Il a tout à fait raison. Cet album dans lequel les deux Rodrigues père et fils sont aux prises avec deux pointures berlinoises, le violoniste Dietrich Petzold et le contrebassiste (et cadet des frères Bauer – les trombonistes) Matthias Bauer dans un exercice salutaire : comme l’a toujours professé, répété et inscrit dans le marbre, les instruments de la famille des violons ne donnent leur pleine mesure qu’en étant rassemblés à l’abri des éclats des cuivres, des fréquences invasives de la percussion et de devoir adapter leur doigté à la tricherie de l’accordage du piano (l’addition des fréquences des intervalles de seconde, tierce, quarte, etc… n’est pas transitive). Ce n’est pas le premier des enregistrements du tandem Rodrigues, ensemble ou séparés, en groupe exclusivement cordiste à archet, mais ce dis con sent est sans doute une trace discographique majeure dans le cursus. Bon à savoir, vu l’étendue du catalogue C.S. Pour les reconnaître l’un de l’autre, Guilherme, c’est le fils souriant et il joue du violoncelle. Le père, pensif, excelle à l’alto, un instrument difficile pour lequel Dietrich Petzold est aussi crédité, en sus de bowed metal. En traversant d’écoute les pièces numérotées de I à VII, on a droit à toute la gamme des occurrences sonores, des cadences, des émotions, des raffinements et des emportements. Il n’est pas inintéressant de comparer au Stellari Quartet de Phil Wachsmann, Charlotte Hug, Marcio Mattos et John Edwards dont Emanem a publié deux albums et dont l’instrumentation est quasi-identique. Avec deux British et un Brésilien londonien d’adoption, il y a une dose d’excentricité, d’expressions plus individualisées. Mais les moments offerts par ce quartet Lisbonne – Berlin recèlent bien des qualités au niveau des timbres et des agencements interactifs dans une synergie pleinement vécue. Lueurs vif-argent, couleurs sombres, élégies vespérales, rebondissements primesautiers, créations de formes bien marquées et évolutives, ouvertes à la contradiction, entremêlements de frottés saturés et de doigtés en saccade, torsades de sons boisés et moirés. C’est tout bonnement exemplaire. Pierre Boulez a de son vivant invité le Stellari Quartet au festival de Lucerne à l’écoute d’un CDr proposé par Charlotte Hug. Charlotte : « Maestro, c’est de la musique entièrement improvisée ! ». Le compositeur avait souvent manifesté sa « désapprobation » face à l’improvisation. Mais il fut convaincu par le résultat qui utilisant les possibilités sonores des cordes et leurs imbrications etc… qui était très proche de la consistance et de l’évolution dramatique et musicale d’une œuvre conçue par un excellent compositeur et jouée par des instrumentistes au sommet de leur art. C’est bien l’impression de cette vérité, de cette réalité que je perçois ici. Une œuvre qui appelle à la réécoute, au chérissement Rosenbergien et mérite de figurer dans les annales.

12 octobre 2020

Tony Oxley February Papers/ Tristan Honsinger Nicolas Caloia Joshua Zubot/ Heinz Geisser Ensemble 5/ Ensemble Collectivo Crisis

February Papers Tony Oxley Discus99CD

Une réédition très attendue, grâce à Discus et Martin Archer. Durant des décennies, February Papers est resté un album à la fois rare, négligé par les critiques et recherché par les amateurs avertis. Publié en 1977 par Incus au n°18, le label d’Evan Parker, Derek Bailey et Tony Oxley, cet album a été difficile à trouver dans les années qui ont suivi sa parution alors que les autres albums du catalogue Incus se trouvaient régulièrement dans les bacs des disquaires spécialisés. Et comme Tony Oxley a publié peu d’albums à son nom auprès de labels « improvisés », sa musique enregistrée des années 70-80, avant sa collaboration avec Cecil Taylor est finalement peu connue par de nombreux amateurs. February Papers est un des albums les plus singuliers de cette musique improvisée en Europe, celle qui s’intègre dans la musique contemporaine « savante » expérimentale ou avant-gardiste au même titre qu’AMM (The Inexhaustible Document). Durant les années soixante, Tony Oxley fut le batteur attitré du Ronnie’s Scott auprès de grands du jazz (Bill Evans, Ben Webster, Sonny Rollins, John McLaughlin) tout en lorgnant vers l’avant-garde. Il publie consécutivement trois albums de free music qui ont fait la passerelle entre le free-jazz extrême et la free-music à l’Européenne auprès de majors (CBS et RCA). Dans ses groupes, sont rassemblés Kenny Wheeler, Barry Guy, Paul Rutherford, Evan Parker et Derek Bailey. Dès « Ichnos » (1970), on entend aussi une ou deux pièces en solo de percussions agrémentées d’électronique. Toutefois, la musique d’Oxley n’est pas « entièrement » librement improvisée comme celles de ces associés (Bailey, Parker, Rutherford, Guy). Il y a un écriture thématique sonore d’agrégats de timbre et de cadences, atonales et bruitistes, autour de quelques notes qui enchaînent sur des séquences improvisées (cfr Incus 8). En 1977, Oxley s’oriente vers une musique plus électro-acoustique avec sa batterie amplifiée et s’entoure de musiciens qui transforment les possibilités instrumentales au moyen de dispositifs électroniques, spécialement des cordes. Le violoniste Phil Wachsmann, le guitariste Ian Brighton, le contrebassiste Barry Guy qui joue avec Oxley et le pianiste Howard Riley et un autre violoniste qui fait ici une rare apparition, David Bourne. Cet intérêt pour les cordes vont jusqu’à ce que lui-même joue aussi du violon sur trois morceaux. L’enregistrement a été réalisé en février 1977 dans le studio fréquenté par Vangelis Papathanassiou, un copain d’Oxley, avec l’ingénieur-son Keith Spencer Allen, devenu une sommité de l’audio. Deux quartets, deux trios et trois solos. Ceux qui s’attendent à un disque de batteur en seront pour leurs frais. Toute référence au (free-)jazz est ici bannie, même à la free-music. On dira même que Derek Bailey swingue encore avec son plectre en aller et retour saccadé sur les cordes. Tony Oxley est crédité electronics sur tous les morceaux. Étrangement, Tony ne joue pas de batterie sur les deux  premières plages du vinyle, mais du violon avec les deux autres violonistes et le contrebassiste, lequel est crédité bass-guitar en A1. Soit Quartet 1 et Chant – Quartet 2. Aux deuxièmes plages des deux faces d'Incus 18, le trio Oxley (à la batterie), Wachsmann et Brighton (Sound of The Soil et Trio 2). Ces deux musiciens ont enregistré avec le groupe Balance pour Incus quelques années auparavant, une musique aussi radicale et « out-off-the-wall » que ces February Papers. Il y a d’ailleurs Radu Malfatti, un autre collaborateur d’Oxley. Ensuite, on trouve aux trois dernières plages des solos de percussion avec de l’électronique Brushes, Combination et On The Edge . February Papers figure alors parmi les albums les plus hermétiques pour un free-jazz fan, même le plus réceptif : Music Improvisation Company, AMMmusic et The Crypt, les improvisations de Solo Guitar de Derek Bailey, Iskra 1903 ou Moinho Da Asneira de Lovens – Lytton. Cela va sans dire que la pratique de cette musique par Oxley et co était bien en avance sur son temps dans la sphère de l’improvisation issue du jazz. Je ne vais pas vous décrire le contenu de ce CD bienvenu, car je vous ai déjà dressé les grandes lignes et que vous êtes assez grands que pour vous situer à son écoute. Bonne chance ! 

In The Sea Tristan Honsinger Nicolas Caloia Joshua Zubot Rhizome + Gromka + Vitrola




In the Sea. Un trio canadien, bien que Tristan Honsinger habite aujourd’hui dans l’état de New York là où il est né. Des enregistrements de concerts d’In The Sea sont en ligne en digital (8 $ Canadiens) sur https://musiquerayonnante.bandcamp.com : Rhizome, Vitrola, Ulrichsberg, Gromka, Dobialab. Autant de lieux et d’événements auxquels In The Sea a apporté sa superbe musique, où le timbre et le jeu saccadé et délirant du violoncelliste Tristan Honsinger tranche dès la première seconde d’écoute. En sa compagnie, un violiste émérite, Joshua Zubot, aussi inspiré que le guide spirituel du groupe et un solide contrebassiste subtil, discret et puissant, Nicolas Caloia qui s’occupe d’ailleurs du label musique rayonnante . Guide spirituel, car on trouve dans la musique d’In The Sea le fil conducteur de toute la démarche de Tristan Honsinger, un violoncelliste original entre tous doué d’une projection du son extraordinaire. Une musique de groupe ouverte et excellemment coordonnée, des compositions (écrites par chacun) conçues pour que s’échappe joyeusement des improvisations débridées en alternance avec des séquences bien définies, un certain humour incertain mais bien présent, des canevas en perpétuelle mutation, un sens du swing, une palette de timbres et d’atmosphères étendue, un art de l’hésitation et un goût pour tirer les intervalles en tire-bouchon. Musique rayonnante, car elle traverse plusieurs esthétiques ou démarches en les concentrant et les projetant tout à la fois avec quelque chose de plus fort encore qu’une cohérence : une identité jouïssive, ludique, une saveur sonore de cordes gorgée de sève, de plaisir, de puissance. Ce sont des grand maîtres de l’archet et des fanatiques pour ce qui est d’étendre la tonalité occidentale. Un peu la folie ! Pas celle des grandeurs… plutôt celle de l’instant et du consensus chahuté. Le trio et chacun des trois compositeurs laissent le champ libre à la créativité individuelle et simultanée, les trois improvisateurs exécutants jouant des parties fort différentes les unes des autres qui s’emboitent à merveille. L’auditeur doit tendre l’oreille vers trois directions qui convergent  dans un équilibre instable et un chassé-croisé qui finit par donner le tournis. Les compositions fleurent bon la musique sérieuse post Bartok – Stravinsky, les musiques populaires tziganes ou yiddish question violon enflammé et les facéties d’improvisateurs le regard en coin. On retrouve quelques éléments fondamentaux du jazz et un goût sûr et fantaisiste pour la mélodie. On ne dira jamais assez que la fantaisie est la mère de la meilleure improvisation. L’invention instantanée. En achetant ces albums digitaux (Vitrola : 37 minutes, Gromka 33 minutes), vous avez droit à des sets de concerts enlevés et joués souvent d’une traite, les compositions et improvisations se succédant dans un continuum plein de surprises et surtout, vous contribuerez à la survie de Tristan Honsinger. En effet (et malheureusement), avec la conjonction du Covid 19, de la rareté des concerts et de son éloignement d’un grand centre urbain, c’est le seul revenu de ce musicien inoubliable, Tristan Honsinger. Inoubliable… et touchant, surtout lorsqu’il joint sa voix parlée ou chantée à la musique pour des instantanés poétiques. Et pour notre bonheur, chaque album contient de nouvelles compositions et trouvailles.  

PS : les fanatiques collectionneurs se doivent de rechercher le premier CD autoproduit d’ In the Sea : Henry Crabapple Disappear (2013) avec sa magnifique pochette fait main et sa grosse baleine noire qui fait le gros dos. Qualité sonore assurée et présence intelligente du batteur Isaiah Ceccarelli.

Luminescence Heinz Geisser Ensemble 5 w Fridolin Blumer Reto Staub Robert Morgenthaler Naoki Kita. Leo records CD LR 888 

Un quintet entièrement improvisé libre avec une réelle finesse et une capacité à faire coexister des approches sonores individuelles en diversifiant le timing et le débit, la dynamique et les énergies par le biais d’une intense écoute mutuelle. Paradoxalement, il règne un grand équilibre entre chaque voix instrumentale dans l’espace et le temps de manière à ce que chacun soit entendu distinctement alors que la construction musicale s’affirme dans un déséquilibre quasi-permanent. Une tournante tacite se dévoile subrepticement : chaque improvisateur devient l’acteur prépondérant durant quelques instants entraînant un ou deux  autres à suggérer un motif, des timbres ou une idée qui recadre l’ensemble et le relance comme si tous poursuivaient le même but. Une grande lisibilité unit les Cinq de l’Ensemble : Luminescence. Heinz Geisser veille au grain en distillant frappes légères jusqu’à une éventuelle bourrasque. Fridolin Blumer pousse les notes hardies de son gros violon et enlace les harmoniques avec un archet chercheur. Reto Staub place voicings et touches égrenées à bon escient au centre du dispositif. Le trombone de Robert Morgenthaler se fait entendre incisif, tendre, gouailleur. Le violon de Naoki Kita sursaute, crisse, se glisse par-dessus le mouvement. Les inventions et réflexes des membres de l’Ensemble 5 n’ont de sens que dans la dimension collective, lumineuse dans laquelle ils excellent donnant chacun le meilleur d’eux-mêmes. La qualité des interactions, de l’emboîtement des parties instrumentales dans les formes mouvantes et éphémères est vraiment remarquable. Avec eux, la pratique du free-jazz est vivifiée par un sens de l’écoute et d’invention dans l’instant toujours en éveil. Cette qualité bonifie leurs improvisations individuelles au-delà de leurs valeurs intrinsèques, relatives. La relativité dans leur univers est créée par cette empathie sensible provenant d’idéaux, de convictions, de sentiments qui transparaissent ici en pleine lumière créant des formes et des jeux qui forcent l’adhésion. Luminescence. 

Ensemble Collectivo Crisis Live In Hamburg Setola di Maiale SM 4060

Intriguant. Enregistré au Art of the Improvisation Festival à Hambourg 29 juin 2019. Mix au Studio True Muze par Vlatko Kucan. On se souvient de ce label novateur, True Muze, qui nous avaient livré des perles étonnantes autour de feu Peter Niklas Wilson il y a plus de 20 ans : on y trouvait Rajesh Mehta, Trichy Sankaran, Vlatko Kucan, Malcolm Goldstein, le Ton Art Ensemble, Evan Parker. C’était une autre époque. Aujourd’hui, quatre jeunes musciens au sein de l’ Ensemble Collectivo Crisis. Un piano et des préparations, Marco Bussi. Une Stratocaster et des effets, Pietro Figato. Une Telecaster, effets, objets, préparations et loops, Daniel Savio. Batterie, percussions, objets, Davide Rossato. Un groupe non conventionnel. Bruits, bruitages, bruissements. Grattements, grattages, griffures, graffiti, abstraction, concrétisme. Implosion de la forme musicale. Neuf improvisations brèves, titres en minutes et secondes, anonymes. Concentration, écoute diffuse, différée, périphérique. Frictions sur les cordes des deux guitares, objets vibrants ou écrasés contre le micro humbucker de la Telecaster. Plongée du corps courbé dans la table d’harmonie, cordes percutées, pédales enfoncées puis relâchées, touches du clavier frappées ou frôlées en vagues sonores ou onde miroitante. La surface des peaux est explorée avec accessoires et objets. Sustains ou ostinati. Vibrations sonores flottantes, atmosphère grésillante, souffles électroniques, murmures d’amplificateurs. Traces sonores du geste, mouvement organique.  Ensemble parce qu’il y a une écoute mutuelle intense ressentie. Collectif parce qu’ils jouent avant tout ensemble, soudés. Crise parce que tout s’arrête, se dilate, implose, se transforme. La matière est laminée, fissurée, émergeant de l’inconnu.  

6 octobre 2020

Horace Tapscott & Pan Afrikan/ Masaharu Showji/ Peter K Frey & Daniel Studer/ Pascal Bréchet Isabelle Duthoit Franz Hautzinger Thierry Waziniak

Horace Tapscott with The Pan Afrikan Peoples Arkestra Ancestral Echoes The Covina sessions 1976 Dark Tree Records. 


Une vibration émanant des cordes du piano, une voix persuasive et énergique dit un beau poème dédié à la cause afro-américaine avec cette voix caractéristique. Une introduction au piano enchaîne sur le riff de Ancestral Echoes. Horace Tapscott, non content d’être un très remarquable pianiste, compositeur et auteur de thèmes soulful invitant à la danse à la célébration de la Great Black Music, incarne et fait incarner par son peuple la culture afro-américaine au sein de cette communauté avec la participation enthousiaste de poètes, chanteurs et chanteuses, musiciens - ciennes locaux . Il écrit « Our Music is contributive rather than competitive ». Un beau livret donne des détails précis sur ce magnifique projet et son contexte culturel et social. Il s’agit ici d’un opus plus instrumental par rapport à l’album précédent d’Horace Tapscott/ Pan Afrikan (Why Don’t You Listen/ Dark Tree) qui mettait en scène des chanteurs et chanteuses. Ce n’est pas une musique qu’il faut écouter comme une contribution exclusivement musicale dans le cadre du jazz « professionnel » proprement dit avec ses inventeurs, ses solistes virtuoses, etc… mais plutôt comme l’émanation inclusive d’une communauté qui se débat pour sa dignité et sa survie où la musique intervient comme un vecteur de partage et d’unité des différents membres de la communauté, la formulation festive d’une identité harcelée, méprisée par la « majorité silencieuse » des Blancs (ou des Riches), contents de l’être, méprisants pour ceux qui ne partagent pas la même couleur de la peau et la culture et vindicatifs quand les « Noirs » revendiquent seulement le respect, la reconnaissance et d’être considérés comme des citoyens à part entière. Bien sûr, les jazzmen afro-américains ont toujours en tête cette problématique que ce soit le Roi Louis, Lester Young ou Dizzy Gillespie, mais celle-ci était généralement induite dans l’affirmation de leur art, jusqu’à ce que Mingus enregistre Fables of Faubus  et Roach, Freedom Now Suite. La musique du P - A.P. A. est tournoyante, colorée, poly-rythmée (deux congas, un batteur et le jeu plein et dense de Tapscott et Linda Hill au piano) aux sonorités puissantes (flûte, sept saxes, tuba, trombone trompette et french horn) et des thèmes cycliques. Jouant comme un seul homme (ou femme), l’orchestre met en avant quelques solistes qui galvanisent l’ensemble. Les arrangements subtils de Sketches of Drunken Mary succèdent aux riffs modaux d’Ancestral Echoes et l’aspect jazz improvisé s'y dessine avec le remarquable solo de Michael Sessions, articulé sur la rythmique chaloupée où brille le jeu de piano serpentant du leader. Eternal Egypt Suite est la pièce de consistance finale de l’enregistrement du concert (27 minutes), l’orchestre gravissant à chaque composition un degré dans le raffinement. La puissance et le sens (ou les sens) conférés à leur musique, dévoilant graduellement  un manifeste et des formes plus sophistiquées. Le blues est présent, mais intégré à une affirmation d’espoir, de solidarité et de foi dans le bienfondé de leur démarche, tant au niveau esthétique que sociétal. Il y a à la fois une méthode didactique dans la disposition des morceaux du concert, sans doute, et un dosage de plus en plus intense tant au niveau qualité mélodique, persuasion, feelings …. Comme le démontre, le tubiste et le cor anglais improvisant avec les congas dans Jo Annette, la troisième pièce, suivi par le solo lyrique au piano alternant éléments du thème et brèves variations mélodiques charpentée par la souplesse de la rythmique et de la main gauche. Chaque instrumentiste à son moment personnel où il apporte sa pierre précieuse à la trame orchestrale. Quoi qu’on puisse en penser, leur but n’est pas de faire concurrence à Mingus, Gil Evans ou Sun Ra dont les musiques de grand orchestre sont devenues des références ultimes, ou encore de se situer dans une avant-garde ou un quelconque courant, mais de créer une symbiose des acteurs culturels de cette communauté de manière exemplaire, communicative et authentique. Et à cet égard, la musique chaleureuse et soudée du Pan Afrikan People’s Arkestra est une réussite à 100 %. La musique du cœur sous les ramures du Dark Tree.

The Cosmos Masaharu Showji avec Takuji Kawai Double CD R 14-3-2019

Un travers de nombreux chroniqueurs est de toujours revenir sur les mêmes artistes, soit disparus, soit légendaires et, cela, jusqu’à l’indigestion ou l’idée fixe. On peut dire que tous les enregistrements et les cassettes du fameux Kaoru Abe ont bien dû être publiées, comme toutes les reliques de Jim Morrison ou Jimi Hendrix jusqu’à l’épuisement. Il existe un culte compulsif du free-jazz japonais qui frise le fétichisme philatélique pour les timbres postes du Vietnam période Indochine entre-deux guerres. En plus, je serais fatigué de devoir toujours écouter les quelques mêmes musiciens et leurs innombrables albums. Récemment, j’ai croisé un véritable allumé du sax alto nippon avec un son tranchant, superbement agressif, une résonnance naturelle et une projection peu commune. C’était à Londres en août 2019. Masaharu Showji. Il m’a confié un double CDr sans pochette, « The Cosmos » à son nom et enregistré avec l’excellent pianiste Takuji Kawai. De longues improvisations – déambulations en duo où on peut goûter les métamorphoses de son timbre : de la violence tellurique et du grondement dans le grave jusqu’à cet aigu brillant et coupant comme une lame qui se recroqueville dans des spirales accentuées d’afflux d’air comprimé et de furieux coups de langue. Je pose la question : Pourquoi écouter cette masse de documents enregistrés, il y a presque cinquante ans, dans un bar de Shinjuku avec un appareil à cassette, alors qu’on tient ce phénomène vivant qui ne demande qu’à venir en Europe, Masaharu Showji. Du véritable, de l’authentique comme Mike Osborne (un disparu dont on parle à peine), Byard Lancaster ou Charles Tyler. On peut l’entendre au Japon avec des batteurs comme Sabu Toyozumi, par exemple ou Shoji Hano avec qui Masaharu a enregistré deux rarissimes CD's pour le label E.G.G. ( et y orthographié Shoji) Sur le même label, parut la première version (cassette) de Funny Rat, le duo de Shoji Hano avec Peter Brötzmann, un item légendaire de 1991. Dans ce Cosmos, au CD 1, j’entends aussi Takuji Kawai au pianica, un instrument à anches libres qui évoque l’accordéon. Leur duo piano - saxophone fonctionne dans un contraste marqué entre les pianismes complexes de Kawai, en vagues saccadées et croisements incessants de doigtés tournoyants et de cycles rythmiques imbriqués, et la matière brute taillée à vif, martelée comme si l’anche était une enclume chauffée à blanc. Quant au pianiste, il a découvert par lui-même des idées pianistiques décalées, un style qui semble venir tout droit de l’univers Misha Mengelberg. Il ne s’agit pas de copiage, mais d’une parenté évidente et sans doute fortuite. Outre la qualité musicale remarquable du pianiste et ses interventions curieuses au pianica doublée au piano ( ?), j’apprécie la capacité de Masaharu Showji à moduler son timbre caractéristique dans différents registres avec une expression, un feeling très personnel qu’il marque de son sceau. Les connaisseurs japonais de musique improvisée insiste très fort sur le fait qu’ils identifient clairement en écoutant à l’aveugle que le jeu et le souffle de plusieurs de leurs compatriotes (comme Kaoru Abe, Motoharu Takagi, Akira Sakata ou Itaru Oki, qui vient de disparaître) reflète quelque chose d’essentiel de l’âme nippone. Une manière particulière de moduler, d’étirer les notes, de les tenir en suspension, de les faire vibrer. Du free qui ne cherche rien d’autre que la vérité du moment présent et une quête du blues d’Extrême-Orient, celle d’un peuple qui vécut longtemps isolé des autres civilisations. Le feeling étrange et monacal de ces souffleurs de shakuhashi, ermites ambulants, qui s’extasient à rechercher le sens de la vie dans la vibration de la colonne d’air d’un vulgaire roseau trouvé dans la nature et taillé avec une intuition géniale. Bref, un musicien poète du saxophone alto dont il ne faut pas hésiter à surprendre dans un lieu propice où les circonstances l’inspireront pour partager son feu intérieur.

C'était mon quart d'heure "Pas Toujours Les Mêmes" ! 


Contrabass Duo Studer-Frey ZIP Leo Records CD LR 891.

On trouve aujourd’hui des dizaines de contrebassistes improvisateurs qui valent le déplacement. Nombre d’entre eux apprécient de jouer en duo, mais si on me demandait de citer un exemple tout à fait remarquable de duo de contrebasses, je vous envoie directement vers le duo Studer-Frey.

Peter K.Frey est un vieux routier de la scène zurichoise, connu pour sa participation au trio d’Urs Voerkel avec Paul Lovens. Vous savez l’album FMP 034 Voerkel/ Frey/ Lovens de 1976, avec un vieux radiateur des années '30 sur la pochette. Mais aussi pour son compagnonnage avec un saxophoniste original, Christoph Gallio ou le violoncelliste Alfred Zimmerlin. Depuis plus de vingt ans, il forme un duo permanent avec le contrebassiste Daniel Studer, de vingt ans son cadet et avec Zimmerlin et le super violoniste Harald Kimmig, le co-leader d’un String Trio phare (Im Hellen Hat now Art 201) qui ont aussi enregistré des albums étincelants avec John Butcher (Raw/ Leo CD) et George Lewis (ezzthetics 1010). Il s’agit de leur quatrième album et j’ajoute encore que Leo a publié Zurich Concerts pour les 15 ans du duo, un double cd où on entend le duo en compagnie de Gerry Hemingway, Magda Mayas, Hans Koch, Jacques Demierre, John Butcher. Je dis ça, je dis rien. Mais je peux vous garantir qu’avec ce duo Studer-Frey, l’auditeur ne s’ennuie pas, même si leurs deux noms ne brillent pas partout où il faut être pour faire partie « de ceux qui comptent ». À force d’avoir joué ensemble durant des années semaines après semaines, mois après mois, ils ont créé une relation musicale pleine de vérités, de subtilité, d’écoute et de dépassement sur leurs deux instruments qui semblent n’en former qu’un seul. Vous entendez ici toutes les sonorités spécifiques de la contrebasse habilement dosées et échangées dans un univers sonore d’une grande plénitude. Coups d’archet, de « col legno », friselis d’harmoniques, pizzicati saccadés, écrasés ou réverbérant, grondements graves, frottements muselés, chocs brefs sur la touche, murmures délicats, glissements presque silencieux, tremblements, multiples densités. Ici on ne « développe pas un matériau » mais on jongle avec de multiples possibles comme dans un jeu d’écriture surréaliste, un poème d’amoureux de figures de styles improbables et de syntaxe détournée. Un cheminement illogique dans une topographie – dédale de l’éphémère. L’effet de surprise n’est pas un leitmotiv chez eux, mais un état second. Leur musique improvisée semble exister comme un retour à la nature sauvage. Buissons, bruyères, taillis, herbes folles, sous-bois contés avec une précision implacable. Tout est enregistré d’une traite en concert, comme une œuvre aboutie. Certains artistes très demandés n’ont, en fait plus le temps de se concentrer de cette manière aussi parfaite que spontanée. Leur ZIP se révèle être un fichier de transferts qui se dilate inexorablement et nous ouvre un champ merveilleux de sons boisés, de timbres frottés et vibrés à l’envi. Merveilleux. 

Duthoit Waziniak Brechet Hautzinger Don’t Worry Be Happy Intrication label Tri 002


Pascal Bréchet a bien fait de m’envoyer le nouveau-né d’Intrication, le label tout neuf de Thierry WaziniakÇa commence par une foire d’empoigne aussi réaliste et assumée que dingue. Isabelle Duthoit fait tressauter sa glotte comme une dératée, Thierry Waziniak mouline sur les peaux avec rage et circonspection, Pascal Bréchet fait imploser/déchiqueter sa guitare électrocutée, Franz Hautzinger articule en éructant dans l’embouchure en déflagrant les vibrations de l’air dans le pavillon de sa trompette. Ce qui épate c’est l’alternance précise des interventions qui fait qu’ils jouent plus à trois qu’à quatre car chacun s’impose de brefs silences, lequel induit un dialogue rotatif entre les quatres musiciens (Vibrations Plastiques). Par la suite, le quartet s’engage dans des occurences sonores où chacun s’étend dans son univers personnel tout en créant des espaces de jeux et des résonances qui échafaudent une véritable coexistence enrichissante. La guitare est superbement électronique avec des nuances et des colorations qui invitent au dialogue. La batterie se fait spacieuse en ouvrant le champ sonore tout en induisant des pulsations mouvantes. La clarinette sussure, la bouche aspire l’air, on entend les cordes vocales tressaillir et la colonne d’air de la trompette râler ou enrouler les notes étirées d’un cluster et évoquer un soupçon mélodique. De morceau en morceau se déploient des paysages diffus, mouvants, des couleurs sonores et des bruissements qui s’enchaînent, s’agrègent ou contrecarrent un plan. Souffle Hybride est un bel exemple de la complexité dans un dialogue à quatre dans le quel chaque musicien se distingue clairement des autres tout en se fondant dans la masse. Cherchez où se trouve Hautzinger ou le guitariste est peine perdue. Ne pensez à rien et les sons s’imposent à vous, la plupart avec une réelle évidence. Et pourtant, il s’agit de brouiller les pistes. Le morceau évolue bien et la perspective s’est transformée à plusieurs reprises, toujours avec cohérence. Isabelle déguise sa voix comme si elle avait intégré des machines dans son organe vocal. La sensibilité s’aiguise au fil de l’enregistrement. Bouger en faisant du surplace. Convergences de sonorités et de textures qui composent un univers cohérent et disparate. Écoute mutuelle. La guitare a des accents rock post prog avec une palette extensible et inspirante. Dosage des effets est le maître mot. Est-ce une réussite ? Un chef d’œuvre ? Là n’est pas la question. Peut – être un laboratoire. Surtout un chantier, une tentative de tous les instants entre deux pôles : Waziniak et Bréchet travaillent très souvent ensemble (duo et trio) depuis des années avec Hautzinger et Duthoit qui n’en finissent pas de transhumer sur les scènes vagabondes. Chacun se sent libre d’apporter ce que bon lui semble, même si leur sensibilité et leur intelligence les écartent de l’effet patchwork. Une réelle cohérence dans les imbrications interactives. Interventions indécises et lyriques à la trompette. On entend la clarinette sautiller dans les douze tons et la trompette triturer la sonorité et faire éclater les extrêmes, la guitare s’égarer rêveusement ou hacher menu le phasing. Le batteur veille au grain en soulignant les interstices. Balais discrets. Sables symphoniques. On sait tous que beaucoup considèrent sérieusement un groupe pour son attachement à une voie précise, une esthétique déterminée (le label non-idiomatique qui fait rire la plupart des improvisateurs londoniens… lesquels ont discuté de ces sujets il y a très longtemps). Je pense que jouer ainsi en incorporant des matériaux divergents, exogènes ou apparemment disparates en arrivant à les maintenir dans cet état de suspension d’échanges et d’intrication (hah !) tout en donnant ce sentiment d’équilibre instable, cette dimension de partage dans l’éphémère sans redondance, n’est pas une mince affaire.  Un beau document de l’improvisation (libre) véritable loin des idées toutes faites. D’ailleurs un texte fantastique et descriptif de Claude Parle, lui-même un solide improvisateur, suggère bien des sonorités et des actions à l’ouvrage dans cet album pas comme les autres. 

PS : Merci à Pascal Bréchet pour avoir envoyé si vite la pochette du CD !!

2 octobre 2020

Derek Bailey & John Stevens/ OM Urs Leimgruber Christy Doran Bobby Buri Fredy Studer/ Thanos Chrysakis & Chris Cundy/ Charles K. Noyes

Derek Bailey – John Stevens 1993 – 1992 scätter https://scatterarchive.bandcamp.com/album/1993-1992

Vortex 14 – 06 – 1993 et LMC 24-5-1992 . Enregistré sur DAT par Paul Wilson. Publications autorisées par Karen Brookman et la famille Stevens. Excellente prise de son. Derek Bailey à la guitare électrique, John Stevens avec une batterie sommaire et son éternel cornet par moments. Comment réduire les frappes et la technique de la batterie face à un guitariste au jeu complexe et « multiphonique ». Usage immodéré d’harmoniques et d’intervalles dissonants et constructions rythmiques alambiquées. Le jeu de Stevens suggère la chute de l’objet sur la surface, la variation constante des pulsations, un jeu décentré et en deça de beats ressentis intérieurement, figures récurrentes aux balais, baguettes et hi-hats détournées de leur imbrication conventionnelle dans le flux, répétitions de séquences où un ou deux éléments sont systématiquement transformés ou déplacés… Deux musiques différentes se suivent, se croisent, se dépassent, s’enchevêtrent, semblent se répondre.  Comme on ne trouve plus le CD Playing (Incus CD14 1993) qui les réunissaient, ces deux concerts inédits sont véritablement une aubaine. Enregistrés avec soin devant un public de connaisseurs au début des années 90 peu avant la disparition de John Stevens et avec un ampli de guitare électrique standard, ces deux concerts voient se confronter le déploiement bien électrique des effets du guitariste face aux frappes et frottements ascétiques du batteur. La deuxième longue improvisation au Vortex (20 :11) contient l’essentiel : l’échange se révèle minutieux, intime, poétique. John Stevens démontre magistralement que pour créer du sens point n’est besoin d’envahir l’espace et faire tournoyer les frappes en rafales. C’est une leçon de choses fondamentale des principes élémentaires de la percussion. Chaque son a son importance, chaque mouvement contient une signification comme les hiéroglyphes ou une parole sacrée. Cette économie de moyens est superbement expressive ; son sens inné du flottement aérien des timbres ouvre un champ d’action à son partenaire qui se livre à des audaces ludiques en enrichissant sa palette. Le silence devient une composante essentielle du dialogue, ce qui n’est pas toujours le cas avec le guitariste.  Malheureusement, John Stevens disparut en fin 1994 avant d’avoir pu enfin tourner en Europe en compagnie de Derek Bailey ou Evan Parker ou d’autres musiciens. Bien souvent ses incursions sur le continent se limitaient à la Norvège ou  la Suède avec le saxophoniste Frode Gjerstad et les bassistes Johny Dyani ou Kent Carter. Jamais personne ne pensait à l’inviter depuis l’époque lointaine où il avait tourné avec Bobby Bradford, Trevor Watts, Kent Carter, Keith Tippett, Howard Riley ou Barry Guy (1974 et 1979). Impardonnable. Pour vous racheter, commandez cet album digital. Un document plus vivant et authentique que certaines des incartades téléphonées durant les dernières années de Derek Bailey.

OM Urs Leimgruber Bobby Burri Fredy Studer Christy Doran 
It's About Time Intakt 
OM était un des groupes phare de la jeune scène free-jazz / free-rock européenne vers 1976/77. On trouvait leurs albums Kirikuki et Rautionaha publiés par Japo, une sous-marque d’ECM, dans les bacs de disquaires dans toute l’Europe. Japo présentait des musiques plus audacieuses et plus « free » qu’ECM. OM, une formule audacieuse et efficace à la croisée des chemins psychédélique, free-jazz mise au point par quatre jeunes musiciens de Lucerne au début des années 70. Un saxophoniste ténor et soprano, Urs Leimgruber qui se révèlera un des meilleurs : après l’aventure OM, il monte le groupe Reflexionen avec rien moins que le pianiste Don Friedman, un authentique jazzman US, un super batteur, Joel Allouche le bassiste Bobby Buri de OM et ensuite Palle Danielsson. Un sérieux client. Par la suite, il se dirige vers la musique entièrement improvisée. Tournées et enregistrements avec le percussionniste Fritz Hauser, la contrebassiste Joëlle Léandre, la pianiste Marylin Crispell. Des concerts et albums solos pointus et inspirés, D’ étonnants trios avec Michel Doneda et Keith Rowe et Barre Phillips et Jacques Demierre. Le batteur Fredy Studer est un incontournable : trio avec Hans Koch et Martin Schütz, projets avec Pierre Favre, Joelle Léandre, Lauren Newton , Saadet Turkoz… et avec son pote Christy Doran, le guitariste électrique de OM, qu’on entend avec un autre guitariste aussi impressionnant que lui, Stefan Wittwer. OM avait interrompu son existence au début des années 80 et s’était reformé pour un album en 2010 pour Intakt. 50 ans plus tard, It’s About Time. Références à Miles électrique ? Un album vraiment bien réalisé où chacun des musiciens trouve sa place dans une série d’improvisations et de compositions qui naviguent entre free music électrique, pulsations basiques ou subtiles (cfr Studer dans la plage titre), saxophone extrême (sonique) ou en « solo free » au soprano (It’s About Time), travail minutieux et intuitif du son vers le noise, tensions/frictions ou espaces atmosphériques au bord du silence, enjouement ou rupture, sonorités électroniques, certains morceaux courts et bien cadrés. En fait, OM a quelque chose à voir avec la démarche d’Henry Cow lorsque ce groupe improvisait. S’ils n’avaient pas été engagés par Japo, ils auraient pu se joindre aux concerts Rock In Opposition. On pourrait imaginer aujourd’hui une rencontre avec Fred Frith, Tim Hodgkinson et Chris Cutler. It’s About Time contient aussi un ou deux morceaux minimalistes, voire réductionniste. Certains amateurs issus du rock écoutent volontiers la free music radicale lorsqu’un groupe se diversifie dans un même album avec des morceaux où il y a un « beat », d’autres avec des sonorités électroniques et effets de guitare quasi destroy ou qui pourraient passer pour de « l’ambient » (String Holder), des passages complètement sonores « bruitistes » où le silence survient ou carrément rocker (à la Crimson ?) comme dans Fragment, une pièce de Christy Doran. Quelle que soit l’orientation sonore et musicale, se fait jour ici une véritable cohérence, car il y a chez ses musiciens un goût pour les sonorités troubles, électriques, acides, des rythmiques enlevées et des passages où la dynamique du son et des timbres est remarquable et précise. Un sens inné du dosage et de l’équilibre tout en mettant les extrêmes en évidence. On ne va pas bouder son plaisir ! 

A Certain Slant of Light Thanos Chrysakis ChrIs Cundy Aural terrains TRRN 1443

Compositeur – improvisateur Grec vivant à Minsk en Biélorussie, Thanos Chrysakis joue principalement de l’orgue et des instruments électroniques. J’ai déjà commenté ici ses remarquables albums – projets avec deux Orgues et Clarinettes basses avec Peer Schlechta, Ove Volquartz et Chris Cundy : Music for Two Organs & Two Bass Clarinets 2018 ). Music for Bass Clarinets (2019) ou Music for Baritone saxophone, Bass Clarinets & Electronics (2019), tous publiés par son label Aural Terrains. Naturel dès lors qu’il se concentre sur un duo avec un de ses plus proches collaborateurs, le clarinettiste basse Chris Cundy, car Thanos aime particulièrement cet instrument dont les ressources du très grave à l’extrême aigu (harmoniques !) sont profondément et intensément malléables et s'insèrent dans ces multiples démarches, surtout sous les doigts et avec le souffle expert de Chris Cundy. Thanos est ici crédité laptop computer, synthesizers et copicat tape echo. Son partenaire joue aussi des « megaphone, voice changer, zither et objects ». Une musique spacieuse, minimaliste que traverse bruissements, drones, vibrations électriques, clusters mystérieux et distendus, des pointes d’harmoniques hyper aiguës de la clarinette basse, sons amplifiés, réverbérés le tout de manière très étalée. Ambient parfois au bord du silence, souffle à peine perceptible de l’amplification, murmures, suggestions … Cinq parties qui développent, prolongent, évoluent et emportent l'auditeur dans un univers à la fois feutré, intemporel et frémissant. Une facette différente de leur travail qui ajoute une nouvelle dimension aux programmes soigneusement conçus et réalisés par Thanos Chrysakis et son (ses) collaborateur(s). Chris Cundy est un instrumentiste et improvisateur plus que remarquable. 

Charles K. Noyes crimes in high places part 1 zOaR

Charles K. Noyes s’est fait connaître comme batteur - percussionniste aux côtés de musiciens comme le guitariste Henry Kaiser, le saxophoniste Henry Kuntz, le pianiste Greg Goodman, le guitariste Owen Maercks, le multi-instrumentiste Elliott Sharp etc…à l’époque où une génération d’improvisateurs libres américains (dont John Zorn, Tom Cora et Eugene Chadbourne) s’est révélée en écho aux inventions des Evan Parker, Derek Bailey, Han Bennink en Europe. Il figure sur quelques vinyles un peu légendaires comme The World and The Raw People (zOaR avec Elliott Sharp 1979), Free Mammals (Visible Records), et Invite The Spirit avec Henry Kaiser et le musicien coréen Sang Won Park (1984 OAO Celluloid ), un album assez étonnant dont Tzadik publia une suite plus récemment, Invite the Spirit 2006. Le voici maintenant guitariste électrique maniant effets, feedback et créant une musique éthérée, faites de boucles, de sustains en nappes mouvantes, plusieurs voix superposées, étirées, mélangées. Clusters montants ou descendants. Pas de collages ni de montages, mais un souffle carillonnant, des vagues électriques ininterrompues, des espaces intersidéraux. La musique est enregistrée en direct, live en studio sans aucun artifice. Du temps réel. Il y a peu, j’ai chroniqué un album réussi de Raymond Boni qui exploite des techniques similaires, mais avec une sensibilité différente. Une recherche crue de timbres et vibrations électriques qui exploite la répétition et des drones de textures et de caractères différents avec des poussées et des mouvements/ transformations à l’intérieur, créant une sorte d’obsédante polyphonie faussement statique et truffée de lents glissandi  qui occupe l’essentiel du champ auditif tout en gardant le contrôle de la dynamique. La qualité de l’enregistrement est indiscutable même si le guitariste frôle volontairement la saturation.  Insensiblement, les effets utilisés et les textures évoluent, s’altèrent, se métamorphosent, C.K.N. introduisant méticuleusement des couleurs nouvelles, d’autres densités, des glissandi énormes, et renouvelle certaines textures (cfr 6, Tear Stained Sleeve, très court). Pas moins de neuf morceaux se déclinent donnant l’illusion d’un  continuum ininterrompu. Quelques fins abruptes, des changements de registre dans les derniers morceaux permettent de se changer les idées (remarquable 7, Worlds End). C’est d’ailleurs vers la fin que la musique se bonifie et devient plus mystérieuse, plus hantée. Une musique rituelle, ronflements de moteurs, cris glacés de fantômes pris au piège d’une nuit sans fin. On se demande d’où provient le titre, les crimes in high places pt 1 et ce que deviendra la Part 2 ?